Adam’s frustration with critics dismissing bands like Boston, Journey, and Styx as "corporate rock" really hit home. In my opinion, that label often misses the forest for the trees. When I’m mixing, I'm focused on the emotional impact, the clarity, and the groove of a song. Whether a track is "critically acclaimed" or "corporate" doesn't change the fact that a great mix needs to serve the song. Those bands, whatever critics said, wrote incredible songs with catchy hooks and powerful arrangements. Their records often sound fantastic because they prioritized solid songwriting and production, not just chasing some ephemeral "cool" factor. To me, a well-produced track with a clear message and a killer performance will always stand the test of time, regardless of its genre or perceived "authenticity." The test of time, as Adam rightly pointed out, is the greatest test.
Mixing for Modern Ears
Adam and Rick's discussion about how charts don't mean much anymore, largely because people aren't buying physical singles and albums, is a huge point for me as a mixing and mastering engineer. It highlights a fundamental shift in how people consume music. Gone are the days when most listeners experienced music on dedicated hi-fi systems or even car CD players. Now, it's earbuds, phone speakers, Bluetooth devices, social media feeds—a vast, diverse, and often compressed landscape.
This means that mix translation has become even more critical. When I’m mixing, especially for clients whose music will live primarily on streaming platforms, I spend a lot of time making sure the track holds up across all these different listening environments. My approach involves not just referencing on various speaker types (my main monitors, nearfields, headphones, a mono Bluetooth speaker), but also a specific trick for ensuring dynamic elements cut through. I often use a multi-band transient shaper on drum buses or even individual drum elements. This allows me to selectively enhance the attack of, say, a kick drum in the low-mids or bring out the snap of a snare in the upper-mids, without just slamming a global compressor. This keeps the punch audible even on smaller speakers or at lower volumes, ensuring the groove translates without becoming a muddy mess. It’s about building a mix that works everywhere, not just in an idealized studio environment.
Ultimately, the conversation circled back to passion and musicality—whether it was Adam choosing "Carry on Wayward Son" for its vocal intro, or his fervent defense of Dave Grohl's energy as a frontman. That’s what it all comes down to for me, too. My job is to take that passion, that musicality, that story, and present it in the best possible light. The technology and the platforms change, but the core human desire for compelling music doesn't.
Адам очень точно подметил: раньше покупка альбома была событием. 18 долларов за CD в 90-х, когда минималка была 3.80 – это же целая история! Я сам помню, как копил на новые релизы Pink Floyd или Billy Joel, как ждал выхода Division Bell. Это формировало совсем другое отношение к музыке. Сегодня, когда любая песня доступна в один клик, эта ценность растворяется. И это, на мой взгляд, влияет и на артистов, и на продакшн. Меньше внимания к целостности альбома, больше — к отдельным трекам, которые должны «цеплять» сразу.
О звуке, который живет
Но что меня особенно зацепило – это их разговор о «корпоративном роке». Journey, Boston, Foreigner – группы, которые критики часто списывали со счетов, называя их музыку «бездушной» или «шаблонной». Адам говорил, что критики не любят «печеньковый» звук, который нравится всем. Но, черт возьми, эти записи до сих пор звучат огромно и мощно! Как инженер, я вижу в этом не «шаблонность», а мастерство продакшна. Эти группы не боялись чистого, плотного звука, который был хорошо сведен и отмастерен. Это не всегда про «инновации» в аранжировке, но всегда про бескомпромиссное качество исполнения и записи.
Когда ко мне приносят треки, и цель — добиться такого же плотного, объемного рок-звучания, как у тех же Boston, я часто прибегаю к параллельной компрессии ударных. Это мой личный фаворит для придания миксу той самой «стены звука», которая не давит, а обволакивает. Я дублирую дорожки ударных на отдельную шину, вешаю туда компрессор с агрессивными настройками – очень низкий порог (threshold), высокое соотношение (ratio), быстрое время атаки (attack) и быстрое восстановление (release). Получаю сильно перекомпрессированный, почти бездинамичный, но очень жирный сигнал. А потом потихоньку подмешиваю его к исходным ударным. Результат? Ударные становятся гораздо плотнее, мощнее, не теряя при этом своей динамики и «воздуха». Это дает тот самый «стадионный» звук, который критики могли бы назвать «корпоративным», но который, на моём опыте, слушатели обожают.
Или вот пример с Billy Joel и его «The Nylon Curtain», где он хотел звучать как The Beatles середины периода. Это же идеальная задача для продакшна и мастеринга – понять и реализовать такой референс, не потеряв при этом индивидуальность артиста. Эти записи, которые выдержали проверку временем, будь то хваленые критиками или нет, всегда имеют одно общее – в них вложена душа и максимальное внимание к деталям звука.
В итоге, споры о вкусах и критиках будут всегда, но для меня главное – как музыка звучит и какое ощущение она оставляет. И если она заставляет тебя переслушивать ее снова и снова, значит, свою работу я сделал правильно.
Making a record? Готовишь релиз?
I mix and produce records for bands and artists where live instruments meet electronics. Tell me about your release on a free 15-minute call — I'll have listened to your music before we talk. Свожу и продюсирую записи для групп и артистов, где живые инструменты встречаются с электроникой. Расскажи о своём релизе на бесплатном 15-минутном звонке — я заранее послушаю твою музыку.
Learning to mix yourself? Free guide & course → Учишься сводить сам? Бесплатный гайд и курс →