Rick dives into several tracks, and I found myself nodding along with some of his assessments, and perhaps seeing others through a slightly different lens. For Olivia Rodrigo's "The Cure" and "Stupid Song," he praises the songwriting, melody, and excellent singing. I'm with him 100% there. When a vocal is delivered that well, my job in the mix becomes about highlighting that performance, not struggling to make it sit. It's the foundation of a great mix.
Where I found myself fully aligned with Rick was his take on Steve Lacy's "Oh Yeah." He points out the lo-fi nature, the buried vocal, the distorted doubles, and then says, "for that reason, I think it's really cool." Absolutely. This isn't a mistake; it's a vibe. Not every vocal needs to be front-and-center, perfectly clean. Sometimes the artistic choice is to make it sound raw, imperfect, even a bit messy. If a client brings me a mix with that kind of intentional grit, my goal is to enhance that character, to make the "imperfections" sound cool, not try to polish them away. It's about respecting the artist's vision.
On the flip side, Rick calls Morgan Wallen's "Bin by Now" "wimpy" and "autotuned to death." I get it. That hyper-processed, perfectly tuned vocal sound is definitely a hallmark of certain genres right now. Is it "wimpy"? Maybe to some ears, especially if you're used to more raw, dynamic performances. But it’s undeniably a specific aesthetic, and for a massive segment of listeners, it's what they expect and enjoy. My job as an engineer isn't to judge the aesthetic, but to execute it well. If the goal is that synthetic, polished sound, I'm going to make sure the tuning artifacts are smooth, the compression is intentional and musical, and the vocal sits perfectly within that sonic landscape.
Rick also critiques Ariana Grande's "Hate That I Made You Love Me," noting the vocal sounds "muddy" and lacks "crisp attack." This is a common challenge, even with incredible singers. A muddy vocal, or one that lacks articulation, can easily get lost, regardless of how well it was sung.
My Approach to Vocal Clarity and Attack
When I encounter a vocal that, despite a good performance, comes across as muddy or lacking that "crisp attack" Rick mentioned, I have a go-to move. First, I'll often reach for a dynamic EQ. Instead of a static cut that might thin the vocal out too much, I'll set a narrow band in the 250-400Hz range (where muddiness often lives) to only engage and cut when the vocal energy in that specific frequency range exceeds a certain threshold. This preserves the vocal's body most of the time but cleans up those resonant build-ups when they occur.
For the "crisp attack" and ensuring consonants cut through, I'm not always reaching for a high-shelf EQ right away. Sometimes, a subtle transient shaper is more effective. Tools like the SPL Transient Designer or even just a very fast attack/release compressor (think an 1176 with a fast attack and release, but barely kissing the signal) can really help emphasize the initial consonants and transients without making the vocal sound harsh or sibilant. I'll often place this before my main compression stage if I want to shape the attack before it gets leveled, or after if I want to reintroduce some snap to an already compressed sound. Then, if needed, a gentle high-shelf around 8-10kHz for air. It's about surgical enhancement, not broad strokes.
Rick's video sparks a good conversation. The "AI" comparison is a provocative way to highlight how certain production trends can feel homogenized. But ultimately, I believe these are still human choices, driven by what's popular and what works on streaming platforms. As engineers, my job is to understand the artist's vision and translate it into a sonically compelling experience, whether that's hyper-polished or wonderfully lo-fi. It's all about intentionality in the mix.
Моя позиция? Я согласен с ним лишь отчасти. Да, есть ощущение некой унификации, но это скорее результат трендов, давления индустрии и доступности мощных, но иногда обезличивающих инструментов, а не буквального вмешательства искусственного интеллекта. Когда каждый стремится к «идеальному» звуку по одним и тем же рецептам, результат часто теряет индивидуальность.
Обезличенность или стиль?
Рик справедливо отмечает, что не все треки из топа страдают этой «AI-подобностью». Например, он выделяет Стива Лэйси с его лоу-файным, "похороненным" вокалом и дисторшеном, называя это "действительно крутым". И я с ним полностью согласен! Это отличный пример того, как технические "недостатки" становятся частью художественного замысла и придают треку характер. Это не "идеальный" звук, но он живой.
С другой стороны, есть треки, как у Моргана Уоллема, где Рик говорит: «so autotuned to death. So compressed and it’s sung kind of wimpy.» Вот тут я киваю головой. Когда Auto-Tune становится настолько очевидным эффектом, а компрессия убивает всю динамику, вокал теряет свою человечность, свою "душу". На моём опыте, даже если артист поёт неидеально, лучше сохранить часть этой "неидеальности" и живости, чем превратить голос в бездушный, синтетический паттерн. В таких случаях я бы всегда стремился к более естественному звучанию, используя питч-коррекцию скорее как тонкий инструмент для доводки, а не как щит для маскировки. Мой подход — минимально инвазивное вмешательство, чтобы сохранить эмоцию.
Ещё один момент, который Рик подметил, касался вокала Арианы Гранде в треке "Hate That I Made You Love Me": "the vocal just sounds muddy. Doesn't have the same articulation... don't hear that crisp attack at the beginning of the words." Это для меня как инженера — красная тряпка. Отсутствие артикуляции и «грязь» в вокале могут убить даже самую сильную мелодию и исполнение.
Как добавить жизни и атаки? Мой трюк.
Чтобы избежать «мутного» вокала и вернуть ему «crisp attack», который Рик искал, я использую один приём. Вместо того, чтобы просто крутить эквалайзер на высоких частотах и рисковать сделать вокал резким, я применяю динамический эквалайзер. Вот как это работает на моём треке:
- Я ставлю динамический эквалайзер на вокальную дорожку.
- Выбираю узкую полосу в районе 3-5 кГц (там, где живёт основная атака и присутствие голоса).
- Настраиваю его так, чтобы он давал очень небольшой буст (+1-2 дБ), но только тогда, когда вокал достигает определённого порога громкости.
Это позволяет мне выделить атаку слов и придать вокалу ясность именно в те моменты, когда он звучит, не делая его постоянно ярким или сибилянтным. В сочетании с аккуратной многополосной компрессией в районе 200-400 Гц для контроля «грязи», это даёт чистый, пробивной, но при этом естественный вокал. Это мой личный способ вернуть вокалу ту самую «человечность», которую иногда теряют в погоне за «идеальностью».
В конечном итоге, задача инженера — не только сделать звук громким и чистым, но и сохранить (а иногда и усилить) характер и эмоцию, которую артист вложил в музыку. Иначе, какой смысл?
Making a record? Готовишь релиз?
I mix and produce records for bands and artists where live instruments meet electronics. Tell me about your release on a free 15-minute call — I'll have listened to your music before we talk. Свожу и продюсирую записи для групп и артистов, где живые инструменты встречаются с электроникой. Расскажи о своём релизе на бесплатном 15-минутном звонке — я заранее послушаю твою музыку.
Learning to mix yourself? Free guide & course → Учишься сводить сам? Бесплатный гайд и курс →